Fallout é a mais nova adaptação de um universo icônico dos videogames, refletindo uma tendência crescente em Hollywood de transformar jogos em produções de sucesso. Este RPG renomado oferece um material ideal para adaptação, cumprindo muitos dos requisitos para uma transição bem-sucedida ao live-action. Ambientado em um mundo pós-apocalíptico, Fallout se inspira em narrativas de zumbis, história alternativa e uma wasteland no estilo Mad Max, elementos que têm atraído grande público nos últimos anos. A produção ainda se destaca por seu tom ácido e ultra-violento, alinhando-se com a marca da Amazon Prime Video, conhecida por séries como The Boys e Invencível. Com temas sobre guerra nuclear e bombas atômicas, cada vez mais relevantes no cenário político atual, a série também ganha relevância com o lançamento de Oppenheimer.
Além de estar bem posicionada para uma adaptação de sucesso, a série conta com a participação dos co-criadores de Westworld, Jonathan Nolan (produtor e diretor) e Lisa Joy (produtora), apesar de os showrunners serem os relativamente desconhecidos Graham Wagner e Geneva Robertson-Dworet. A equipe criativa optou por uma abordagem ousada e apropriada, não adaptando diretamente nenhum dos jogos, mas criando uma história que se passa dentro do universo canônico dos jogos. A primeira temporada, com oito episódios, apresenta uma narrativa independente, com liberdade criativa total. A trama segue Lucy (Ella Purnell), uma jovem criada em um abrigo nuclear da Vault-Tec, que sai em busca de seu pai (Kyle MacLachlan) após seu sequestro. Em sua jornada, Lucy descobre um mundo pós-apocalíptico perigoso e cheio de monstros, onde encontra o soldado Maximus (Aaron Moten) e um caçador de recompensas morto-vivo conhecido como The Ghoul (Walton Goggins).
Embora não seja uma adaptação direta, os roteiristas capturam com precisão o tom e o cenário dos jogos. Visualmente, a série apresenta um pós-apocalipse nuclear que mistura a cultura americana dos anos 50 com o modernismo atompunk, oferecendo uma estética retrofuturista que combina velho-oeste, art déco e um complexo militar-industrial típico das paranoias da Guerra Fria e do medo da aniquilação nuclear. A atenção aos detalhes em figurinos, armas, maquiagens e arquitetura, bem como na trilha sonora, é tecnicamente impecável, criando um universo diegético atemporal. Mais importante que o design de produção, é a forma como os roteiristas aproveitam a diversidade temática e visual, explorando “fases” e missões secundárias que atravessam o western, a ficção científica, o militarismo, o horror e, principalmente, a sátira.
Fallout é, acima de tudo, uma narrativa nômade sobre a exploração de um mundo desolado, repleto de elementos provocativos, ridículos e espetaculares, algo que a adaptação captura na aventura de Lucy e seus companheiros. Às vezes, isso pode fragmentar a trama principal e causar uma sensação de desorganização narrativa devido aos numerosos núcleos e reviravoltas. No entanto, a série apresenta de forma eficaz um cenário de aventura surreal com comentários ácidos sobre capitalismo, corporativismo, controle, crise de energia e, claro, guerra. Os melhores momentos da série envolvem sua ficção especulativa, que é mais irônica do que densa, apesar do terço final da temporada ser um pouco explicativo demais. Sem dúvida, esta é mais uma adaptação de sucesso de um universo dos games, fiel à essência engenhosa e satírica do material original, ao mesmo tempo em que é criativa e canonicamente original, abraçando a linguagem narrativa dos jogos e exibindo uma forte personalidade visual e temática em seu pós-apocalipse bizarro.
“A Múmia”: O diretor está desenterrando suas lembranças do famoso filme de ação protagonizado por Brendan Fraser e Rachel Weisz, que completou 25 anos.
Lançado pela Universal Pictures em 7 de maio de 1999, o filme arrecadou US$ 409 milhões em bilheteria global (equivalente a US$ 767 milhões hoje) e deu origem a duas sequências, além do spin-off de 2002, estrelado por Dwayne Johnson, “O Escorpião Rei”. Fraser, conhecido anteriormente por liderar “O Homem do Gelo” (1992) e “George, o Rei da Floresta” (1997), interpretou o explorador Rick O’Connell em “A Múmia”, enquanto o projeto marcou um papel significativo para Weisz como a protagonista romântica Evelyn Carnahan, com os dois personagens lutando contra o cadáver mumificado de um sacerdote egípcio.
Em uma entrevista ao The Hollywood Reporter, o diretor Stephen Sommers recorda o susto de saúde de Fraser durante um acidente de dublê, o esforço para escalar James Earl Jones, o anúncio durante o Super Bowl que alterou o destino do filme, por que ele optou por não dirigir o terceiro filme e seus pensamentos sobre a reinicialização estrelada por Tom Cruise, lançada em 2017.
Qual é a sensação de completar 25 anos de A Múmia?
É tão engraçado como isso nunca desapareceu. Está sempre na TV em algum lugar. E eu sei, principalmente porque as verificações residuais são ótimas. Odeio dizer isso, mas de alguma forma isso tornou-se querido por muitas pessoas.
Como você se envolveu com o filme?
Quando eu tinha 8 anos, vi pela primeira vez o filme Boris Karloff Mummy [de 1932] e adorei. A Universal estava tentando refazer o filme de Karloff há nove anos quando entrei, e seria um filme de terror de baixo orçamento ambientado nos dias modernos. Pedi aos meus agentes que ligassem para os produtores Jim Jacks e Sean Daniel, e eles estavam tão cansados de The Mummy que nem ouviram minha proposta e simplesmente me levaram direto para a Universal. Quando saímos, Sean – que é o policial bonzinho da dupla – virou-se para mim e disse: “Steve, achei que você fez um trabalho muito bom”. Ele me deu um tapinha no ombro e acho que eles pensaram que nunca mais me veriam. Mas cheguei em casa cerca de uma hora depois e um agente me ligou e disse: “O estúdio quer fazer isso”.
Você tinha algum ator em mente enquanto o escrevia?
Eu nunca faço. Meu editor Bobby [Ducsay] é meu principal crítico, e mesmo antes de terminar o roteiro, Bob disse: “Oh, este é Brendan Fraser”. Acho que nem tinha visto George of the Jungle naquele momento. Sabíamos que o herói tinha que ser um cara durão, mas com coração. Recentemente, li um artigo dizendo que saímos com Tom Cruise e depois com Brad Pitt. Eu fico tipo, “Não, só fomos para Brendan”. Brendan adorou imediatamente. O estúdio tinha uma lista de atrizes como Ashley Judd e outras jovens atrizes americanas. Eu disse: “Eles são todos americanos. Ela deveria ser inglesa. Então Rachel era a garota e lá fomos nós.
Na versão alugada do filme pela Amazon, há um pop-up de curiosidades afirmando que Sylvester Stallone recebeu inicialmente o papel.
Você só pode estar brincando. (Risos) Nos anos 90, Stallone era uma grande estrela. Antes de eu começar, o estúdio estava tentando fazer isso por US$ 15 milhões. Eu garanto a você, ninguém foi até Stallone. Ele nunca foi mencionado para mim.
Há mais alguma coisa que se destaca no processo de seleção de elenco?
Quando escrevi o personagem Ardeth Bay, estava tentando conseguir James Earl Jones ou Roscoe Lee Browne. Ele foi escrito como um homem negro de 70 anos, mas estou sempre disposto a mudar as coisas. Depois que James e Roscoe estavam ocupados com outros projetos, eles trouxeram um israelense de 23 anos, Oded Fehr, e ele foi fantástico.
Como sua equipe lidou com o calor?
Foi muito duro, mas é um calor seco. Sempre seríamos atingidos por tempestades de areia, mas não são furacões nem nada parecido. Os ADs corriam e davam protetores de ouvido e óculos de proteção a todos. Você não conseguia ver quinze centímetros à frente do seu rosto, mas duraria apenas cerca de 10 minutos.
Acredito que Brendan falou sobre levar tiros de B12 na bunda durante as filmagens.
Adorei as doses de B12. Brendan realmente expôs seu corpo. No segundo, quando ele estava fugindo de todas as múmias pigmeus, pude ver Brendan mancando.
Brendan falou sobre fazer algumas de suas próprias acrobacias, durante as quais sofreu alguns choques e arranhões.
Tínhamos uma ótima equipe de dublês, mas Brendan é um cara grande e durão, e era mais jovem naquela época. Nós meio que demos uma surra nele. Todo mundo fala sobre a cena em que ele foi enforcado. Normalmente, quando alguém é enforcado, é um boneco, e é por isso que colocam sacos na cabeça das pessoas. Brendan estava sempre entusiasmado e dizia: “Aperte bem o laço em mim”. Então ele decidiu deixar os joelhos cederem um pouco. Mas o que ele esqueceu é que no minuto em que você coloca tanta pressão nas artérias carótidas, você fica inconsciente. Todos nós olhamos e ele está completamente inconsciente. Estava tudo bem e ele se recuperou em 10 segundos. Mas ele acordou tipo: “O que aconteceu?”
Você teve a sensação enquanto estava fazendo o filme que seria um grande sucesso?
Não tínhamos ideia. Lembro-me de que, na época do Natal, na sala de edição, eu disse: “Há 40 anos, as pessoas zombam da Múmia”. De repente tive um ataque de pânico. Estou pensando: “Eu amo múmias e o Egito antigo, mas talvez ninguém mais goste”. E então saiu o comercial de 30 segundos do Super Bowl. Passou de ninguém ter interesse em ver um filme da múmia para todo mundo dizer: “Puta merda. Isso foi muito legal.”
O que você lembra do fim de semana de estreia?
Eu não queria ficar muito animado e estava pensando: “Se pudesse chegar a US$ 20 milhões, seria enorme”. Um produtor amigo meu disse: “Se arrecadar US$ 15 milhões, você deveria estar nas nuvens”. Às 6h30 da manhã de sábado, meu telefone toca na cozinha e ninguém liga para você às 6h30 da manhã de sábado para lhe dar más notícias. Era o [então presidente da Universal] Ron Meyer: “Steve, você está sentado? O filme vai estrear com US$ 45 milhões.” Isso foi uma grande alta. Naquela noite, um monte de atores, alguns membros da equipe e eu, nos encontramos para comer bifes no Dan Tana’s.
Você dirigiu O Retorno da Múmia, de 2001. Você pensou em dirigir o terceiro filme que saiu em 2008?
Eu não queria fazer o terceiro filme porque senti que os dois primeiros realmente se uniram. Estou muito orgulhoso de ambos. Os terceiros são muito difíceis. Então eu soube imediatamente que não queria dirigir e Rachel não participaria. Sempre brincamos que o terceiro se chama A Múmia: Tumba do Imperador Dragão, mas na verdade não tem múmia. Foi quando a NBC comprou a Universal e a NBC estava realizando as Olimpíadas na China. Eles ficam tipo, “Existe alguma maneira de você fazer um filme de múmia na China?” E eu não tive nada a ver com Tom Cruise, obviamente.
Você foi consultado para o filme de Tom Cruise?
Na verdade, fiquei meio insultado porque os roteiristas e o diretor [Alex Kurtzman] daquele filme de Tom Cruise, ninguém nunca me contatou. Eu entro em contato com as pessoas se for assumir o controle das coisas de alguém. O terceiro, dirigido por Rob [Cohen], é meio que meu bebê. Eu não queria pisar no pé dele, então ajudei a produzi-lo. Mas não tive nada a ver com o de Tom Cruise. Eles nunca me contataram ou me ligaram. Eu estava fazendo outras coisas e não é como se estivesse chorando. Eu só acho que é uma cortesia comum.
Brendan mencionou que estaria disposto a repetir seu papel. Houve alguma conversa sobre isso?
Não que eu saiba. Todas as pessoas da Universal são novas depois que saí. Eu realmente não os conheço e eles não me controlam, então não sei o que se passa em suas cabeças. Ao mesmo tempo, teria que ser algo realmente especial. Claro, eu trabalharia com todos esses atores novamente.
Com O Retorno da Múmia, você ajudou a tornar The Rock uma estrela.
Ele foi ótimo. Eu nunca tinha ouvido falar dele, mas então me enviaram algumas imagens dele e ele era simplesmente perfeito. Tive que filmar muito rápido com ele porque ele voou para Marrakesh na quarta-feira e teve que estar em Detroit para um evento da WWE no sábado. Mas cara, ele era um soldado. Assim que o estúdio viu os diários, o presidente da Universal me ligou e disse: “Você tem que escrever um filme para ele”. De alguma forma, durante a semana seguinte, tive a ideia que se tornou o filme do Escorpião Rei.
Wandinha: Foram divulgadas algumas alterações no elenco, incluindo a saída de três atores: #PercyHynesWhite (Xavier Thorpe), #JamesMcShane (Donovan Galpin) e #NaomiJOgawa (Yoko Tanaka) não retornarão mais como personagens regulares da série.
Quarteto Fantástico já conta com Pedro Pascal no papel de Reed Richards/Sr. Fantástico, Vanessa Kirby como Sue Storm/A Mulher Invisível, Joseph Quinn interpretando Johnny Storm/A Tocha Humana e Ebon Moss-Bachrach como Ben Grimm/O Coisa. Julia Garner dará vida ao Surfista Prateado, enquanto Paul Walter Hauser também integra o elenco em um papel ainda não revelado.
Com data marcada para 25 de julho de 2025, “Quarteto Fantástico” é dirigido por Matt Shakman, renomado diretor de “WandaVision”, a partir de um roteiro elaborado por Eric Pearson, Josh Friedman, Jeff Kaplan e Ian Springer. Peter Cameron, que também trabalhou em “WandaVision”, contribuiu para o roteiro.
A história do Quarteto Fantástico é essencial para a Marvel. Criada por Stan Lee e Jack Kirby em 1961, a equipe estreou na revista em quadrinhos “Quarteto Fantástico” #1, inaugurando o Universo Marvel que se expandiria para incluir uma Nova York interligada e uma variedade de heróis, como o Homem-Aranha e o Demolidor. O grupo já foi adaptado para dois filmes dirigidos por Tim Story nos anos 2000, além do infame filme de 2015 dirigido por Josh Trank. Na década de 1990, Roger Corman produziu uma versão do filme B que nunca chegou a ser lançada.
John Malkovich acrescenta prestígio ao elenco. O renomado ator recebeu indicações ao Oscar por suas atuações em “Places in the Heart” e “In the Line of Fire”. Seu trabalho nos anos 90 é lembrado por filmes de alto conceito como “Being John Malkovich” e “Con-Air”. Entre seus créditos mais recentes estão “The New Look”, “Ripley” e “Billions”. Malkovich é representado pela WME.
Nos anos anteriores, uma apresentação da Disney no CinemaCon seria um evento bastante familiar. Não é assim este ano, com o atrevido Deadpool & Wolverine classificado para maiores no centro do palco para mostrar extensas filmagens do projeto.
A apresentação da Disney começou com um PSA “silencie seu telefone”, com Deadpool e Wolverine fantasiados, falando sobre rumores de Guerras Secretas, o próximo filme dos Vingadores. Mas quando Deadpool tentou explicar suas teorias para o filme, foi interrompido por um celular na plateia. Finalmente, depois de ser interrompido várias vezes, Wolverine perdeu a paciência e dirigiu-se à câmera com muitas bombas F implorando às pessoas que desligassem seus telefones.
Mais tarde, o público teve uma visão completa do filme estrelado por Ryan Reynolds e Hugh Jackman como personagens-título e que trata do multiverso. A filmagem estava repleta de duplo sentido voltado para Hollywood, bem como referências diretas à Marvel e à Disney.
“É incrível”, disse o chefe do Marvel Studios, Kevin Feige, à multidão. Ele acrescentou que poderia dizer isso porque é um filme censurado – e começou a dizer a palavra com F mais algumas vezes.
Shawn Levy então apareceu para mostrar nove minutos de cenas sem spoilers. O Hollywood Reporter não vai se aprofundar muito no que foi mostrado, mas começa com Wade Wilson como vendedor de carros, aposentado do mundo dos super-heróis. (Digamos apenas que ele faz uma referência indireta às suas preferências sexuais ao tentar vender um carro para uma família.) Em seguida, faz a transição para a festa de aniversário mostrada em um trailer do Super Bowl, onde Wade menciona um certo executivo da Marvel pelo nome e uma lista de coisas que ele não pode mostrar no filme (incluindo uso de cocaína).
Mais tarde na filmagem, Wade chega à Autoridade de Variância Temporal, conforme mostrado no trailer do Super Bowl. É justo dizer que o clipe de nove minutos de Deadpool & Wolverine provocou as maiores risadas da semana. Feige disse que a filmagem foi feita por Levy e Reynolds especificamente para o público do CinemaCon.
A Marvel Studios está apostando alto em Deadpool & Wolverine, que estreia em 26 de julho e é do diretor Levy. Depois de anos lançando três (ou até quatro) filmes anualmente, o estúdio está voltando atrás e colocando todas as suas fichas neste filme. É o primeiro projeto classificado como R da Marvel Studios e também a primeira franquia proveniente da aquisição da 20th Century Fox. (Quarteto Fantástico, que será lançado no próximo ano, será o segundo.)
Michael J. Fox pode ter anunciado sua aposentadoria da atuação, mas ele compartilhou que ainda está aberto para retornar às telas em busca da oportunidade certa.
O ator de De Volta para o Futuro disse recentemente ao Entertainment Tonight que depois que ele foi diagnosticado com doença de Parkinson aos 29 anos em 1991, seus objetivos na vida passaram de sua carreira para sua família. Ele não divulgou publicamente seu diagnóstico até 1998.
“Meu maior objetivo, eu acho, era criar uma família. Temos quatro filhos incríveis, e isso tem sido o mais importante”, disse Fox, referindo-se aos filhos, que ele divide com sua esposa Tracy Pollan. “E o outro é com a fundação [Michael J. Fox].”
Fox revelou em 2020 que ele estava se aposentando do trabalho na tela depois de ter sido aberto sobre suas lutas com sua memória e lembrando falas de diálogo.
No entanto, ele disse ao ET que não é totalmente contra assumir outro papel de ator “se surgisse algo em que eu pudesse colocar minha realidade nisso – meus desafios – se eu pudesse descobrir”.
Fox acrescentou que fazer seu documentário Apple TV + de 2023 ainda “simplesmente aconteceu” e acabou sendo uma “grande emoção”, então “se alguém me oferecer um papel, e eu fizer isso, e me divertir, ótimo”.
O ator de Spin City já havia compartilhado que se tornou seletivo ao escolher projetos mais tarde em sua carreira devido a suas batalhas de saúde. “Quando fiz o spinoff de [The] Good Wife, que é [The] Good Fight, não conseguia lembrar as falas. Acabei de ficar em branco”, disse ele no podcast Working It Out de Mike Birbiglia em 2022.
Na época, ele observou que teve o “mesmo problema” durante as filmagens do programa Designated Survivor, de Kiefer Sutherland. “Era uma coisa legal e eu simplesmente não conseguia entender”, lembrou Fox. “Mas o que foi realmente revigorante foi que não entrei em pânico. Eu não surtei. Eu apenas disse: ‘Bem, é isso. Se movendo. Um elemento-chave desse processo é memorizar falas, e não consigo fazer isso.’”
No ano passado, Fox também disse à Empire Magazine que sentiu que uma cena em Era uma vez em Hollywood, de Quentin Tarantino, também era um sinal para ele se aposentar. “Há uma cena em que o personagem de Leonardo DiCaprio não consegue mais lembrar suas falas. Ele volta para o camarim e está gritando consigo mesmo no espelho, enlouquecido”, disse ele ao outlet. “Tive um momento em que estava me olhando no espelho e pensei: ‘Não consigo mais me lembrar disso’”.
A Fox finalmente tomou a decisão de que era hora de “deixar de atuar”, chamando-a de uma decisão “pacífica”.
Com os quatro atores definidos para interpretar os membros icônicos da superequipe, o Quarteto Fantástico da Marvel Studios agora está de olho em quem interpretará o Surfista Prateado, e parece que eles vão com uma das maiores estrelas em ascensão da cidade.
Fontes disseram ao Deadline que a vencedora do Emmy Julia Garner vai interpretar a icônica personagem dos quadrinhos em O Quarteto Fantástico da Marvel Studios. Pedro Pascal interpretará Reed Richards (também conhecido como Sr. Fantástico), Vanessa Kirby será Sue Storm (também conhecida como Mulher Invisível), Joseph Quinn será Johnny Storm (também conhecido como Tocha Humana) e Ebon Moss-Bachrach será Ben Grimm (também conhecido como Coisa).
O diretor da WandaVision, Matt Shakman, está dirigindo Quarteto Fantástico a partir de um roteiro de Josh Friedman, Jeff Kaplan, Eric Pearson e Ian Springer. A produção começará neste verão e o filme deve estrear em 25 de julho de 2025.
Embora os detalhes do enredo deste filme sejam desconhecidos, fontes dizem que Garner interpretará Shalla-Bal, uma versão do Surfista Prateado dos quadrinhos.
A estrela de Garner está em ascensão desde que ganhou seu primeiro de três Emmys por interpretar Ruth no drama policial da Netflix, Ozark. Ela também recebeu uma indicação ao Emmy por sua interpretação de Anna Delvey na série limitada Inventing Anna.
Desde o final de Ozark, Garner construiu sua lista de filmes começando com o recém-lançado The Royal Hotel. Em seguida, ela tem o filme da Blumhouse e da Universal, Wolfman, no qual ela estrelará ao lado de Christopher Abbott, e também tem o thriller da Paramount, Apartment 7A.
Chloë Grace Moretz e Dominic Sessa estão se juntando a Michelle Pfeiffer para um pouco de alegria de Natal. Os dois atores estrelarão ao lado do ícone da tela em Oh. O que. Fun., uma comédia de férias da Amazon MGM que vem do diretor Michael Showalter, que está por trás do próximo drama romântico de Anne Hathaway do estúdio, The Idea of You.
Descrita tanto como uma carta de amor às mães quanto como um cruzamento entre Casa para as férias e Aviões, trens e automóveis, a história gira em torno de uma mulher chamada Claire Clauster (Pfeiffer) que organiza um passeio especial de Natal, mas sua família a esquece no meio do caminho. embaralhar. Quando eles percebem o erro, ela desapareceu e o Natal deles está em perigo. Felizmente, nada impedirá Claire de dar à família as férias que eles merecem.
O estúdio não comentou os papéis, mas fontes dizem que a dupla interpretará dois dos filhos adultos da mulher. O roteiro é baseado em um conto, publicado pela Amazon Original Stories, escrito por Chandler Baker. Showalter e Baker escreveram o roteiro do longa.
Imagens: Chloë Grace Moretz mídia e Dominic Sessa mídia
Showalter está produzindo o filme pela Semi-Formal Productions ao lado de Jordana Mollick, Berry Welsh e Jane Rosenthal de Tribeca e Kate Churchill. A equipe está planejando o início da produção no final de maio em Atlanta.
Moretz recentemente estrelou a série de suspense de ficção científica da Amazon, The Peripheral, bem como o thriller de ficção científica Mother/Android, dirigido por Mattson Tomlin. Ela é representada pela CAA e Sloane Offer.
Sessa está saindo de sua estreia no cinema no filme sobre a maioridade de Alexander Payne, The Holdovers, ao lado de Paul Giamatti e Da’Vine Joy Randolph. Por sua atuação no filme, Sessa foi indicado ao prêmio BAFTA de melhor ator coadjuvante e ganhou o prêmio de melhor desempenho inovador no Critics Choice Awards de 2024 e no Film Independent Spirit Awards. Desde sua estreia, ele também conseguiu um papel ao lado de Rose Byrne no filme independente da vida real, Tow. Ele é representado pela CAA, Untitled Entertainment e Hansen Jacobson.
King Kong é um ícone da cultura pop global há mais de 90 anos, e o grande primata não mostra sinais de desaceleração. Embora a maioria do público esteja familiarizada com apenas algumas entradas de Kong, você pode se surpreender ao saber que existem 13 filmes de Kong, incluindo a entrada mais recente do Monsterverse: Godzilla x Kong: O Novo Império, que, apesar do segundo faturamento, é muito um filme centrado em Kong. Na televisão, no cinema, nos quadrinhos e nos romances, Kong ainda não foi imitado, embora outros primatas certamente tenham tentado.
Abaixo, faço a descida de onde o Kong original encontrou seu trágico destino e classifico seus filmes, desde experiências de quase morte até segurança satisfatória. Aqui estão eles, do pior para o melhor.
13 – Kong 2: Retorno à Selva (2006)
O terceiro filme animado de Kong, e o segundo a seguir Kong: The Animated Series, é o mais fundo do poço que você pode chegar na saga Kong. Feito com “animação CGI de última geração!” como proclama o DVD, Return to the Jungle tem visuais indutores de dor de cabeça que parecem uma animação de teste dos primeiros dias do PlayStation 2.
No filme, Kong é capturado por um caçador malvado que planeja colocar Kong, e os dinossauros de Kong Ilha em um zoológico especial, e cabe aos amigos de Kong, Jason (Kirby Morrow), Tann (Scott McNeil) e Lua (Saffron Henderson) resgatá-lo. Mesmo sendo um completista de franquia, isso era terrível. Mas você está com sorte, os próximos dois também!
12 – O Poderoso Kong (1998)
O filme de animação direto para vídeo é essencialmente um remake mal editado e de ritmo rápido do filme original, estrelado por Dudley Moore em seu papel final como Carl Denham. Você pode supor que foi feito para crianças, e acho que essa era a intenção, só que é tão chato, tão focado no romance estranhamente maduro entre Ann e Jack, ao mesmo tempo que é excessivamente bobo, que não está claro para quem foi feito.
Há claramente um objetivo de atrair o público da Disney, com Jodie dando voz a Ann e os irmãos Sherman (O Livro da Selva, As Muitas Aventuras do Ursinho Pooh, Mary Poppins) escrevendo as músicas. Mas não há um verme no grupo. Ah, e Kong cai do Empire State Building e vive, para sempre preso nesta miséria musical.
11 – Kong – O Rei de Atlantis (2005)
Felizmente, a primeira continuação de Kong: The Animated Series não é feita com “animação CGI de última geração!” e em vez disso apenas animação tradicional desenhada à mão. Kong, que não é o Kong original, mas um clone cujo DNA foi estabilizado com o DNA de seu irmão humano, Jason, luta para proteger a Ilha Kong da ameaça de uma Atlântida em ascensão.
O conceito de Kong sendo manipulado por uma feiticeira mulher-cobra para substituir o mundo acima pelo lendário submerso é o tipo de narrativa de Edgar Rice Burroughs / Robert E. Howard em que Kong poderia prosperar. narrativa superficial e, se você pode acreditar, números musicais. De novo. As músicas aqui dependem em grande parte de rimas sem sentido e refrões repetidos que aumentam a duração do filme para uma hora e 9 minutos, quando 25 minutos seriam suficientes.
10 – King Kong 2 (King Kong Lives) (1986)
Saímos da era animada de Kong para chegar a, bem, um filme de ação ao vivo que, francamente, não é muito melhor. A sequência de King Kong (1976), King Kong Lives traz de volta o diretor John Guillermin para um caso enfadonho que encontra Kong vivo após sua queda do World Trade Center e precisando de um transplante de coração.
Como um macaco gigante consegue um transplante de coração? Bem, os cientistas, liderados pela Dra. Amy Franklin (Linda Hamilton), projetam um artificial. Mas não há sangue suficiente para mantê-lo bombeando, então o aventureiro Hank Mitchell (Brian Kerwin) retorna à misteriosa ilha do filme anterior e encontra uma Kong feminina e a captura, sem mais nem menos.
Apelidada de Lady Kong, a macaca fêmea participa de uma transfusão de sangue bem-sucedida, antes que ela e Kong escapem do laboratório onde são perseguidos pelo exército liderado pelo tenente-coronel Archie Nevitt (John Ashton). Embora finalmente pareça que pode haver alguma emoção reservada, é em grande parte um tédio, prejudicado por frequentes tentativas de comédia.
Como tornar chato o enfrentamento dos macacos gigantes pelos militares, apesar das explosões e do derramamento de sangue de primatas? Para um filme que pretendia ser um romance emocional, a única coisa comovente em King Kong Lives é a inquietação que seu corpo sente enquanto o assiste.
09 – Godzilla e Kong: O Novo Império (2024)
Imagem: Divulgação Warner Bros. Pictures Brasil
A última entrada no Monsterverse da Legendary mais uma vez reúne Kong e Godzilla, mas desta vez como aliados em vez de inimigos. Muito parecido com o filme anterior de Adam Wingard, GvK, o filme está muito mais interessado em lutas de monstros do que em personagens humanos.
Algumas das lutas são legais, enquanto outras são um pouco selvagens com os movimentos da câmera, tornando difícil rastrear onde as criaturas estão espacialmente. Grandes partes do filme se passam na Terra Oca, onde os personagens humanos, Dr. Andrews (Rebecca Hall), Bernie (Brian Tyree Henry), Trapper (Dan Stevens) e Jia (Kaylee Hottle) estão ausentes, e Kong e seus compatriotas poderiam muito bem ter sido do tamanho de um gorila, roubando ao filme a perspectiva humana necessária para dar escala aos titãs.
E quando os humanos se tornam o foco, eles existem em grande parte para fornecer exposição ou alívio. Embora existam elementos do que poderia ter sido um filme forte de Kong, incluindo a descoberta de um filho substituto em Suko, GxK coloca Godzilla na mistura, onde ele não faz muito além de minar o drama na luta de Kong contra o vilão primata gigante, Skar King que, mesmo com seu kaiju cativo, o Shimo que respira gelo, não é uma ameaça grande o suficiente para exigir a união dos dois em primeiro lugar.
08 – A Fuga de King-Kong (1967)
Após o sucesso de Toho, King Kong vs. Godzilla (1962), Toho fez parceria com os então atuais proprietários de Kong, Rankin/Bass e o diretor Ishirō Honda para desenvolver um filme vagamente baseado na série de desenhos animados de Rankin/Bass, The King Kong Show.
O resultado é uma mistura estranha, embora divertida, de gêneros que mostra o malvado Dr. Who (Hideyo Amamoto), inspirado no vilão de Bond, construindo Mechani-Kong com o único propósito de escavar um local no Pólo Norte onde o Elemento X radioativo está escondido. Mechani-Kong falha, e o Dr. Who decide que nenhum imitador será suficiente, ele precisa do verdadeiro Kong. Hipnotizado, Kong obedece às ordens do Dr. Who até que o mais recente interesse amoroso humano de Kong, a tenente Susan Watson (Linda Jo Miller), o tire de seu transe, bem a tempo para um confronto final com Mechani-Kong. O enredo é simples, mas ainda há diversão com esta entrada.
Originalmente, Toho havia planejado que Ebirah, Horror of the Deep (1966) fosse um filme de Kong também, mas após divergências sobre a escolha do diretor, Rankin/Bass desistiu e Horror of the Deep se tornou um filme de Godzilla, embora ainda pareça muito muito parecido com um filme de Kong.
07 – Godzilla vs. Kong (2021)
A quarta entrada da série Monsterverse da Legendary reúne os dois titãs novamente pela primeira vez em quase 60 anos. O filme de Wingard concentra-se fortemente nas lutas de monstros, mas perde a humanidade e o cálculo temático com os efeitos contínuos da energia nuclear no meio ambiente do mundo moderno que definiram as três entradas anteriores.
Sim, as lutas entre Godzilla e Kong são divertidas de assistir, mas falta admiração porque a maioria do elenco humano foi marginalizado ou totalmente excluído do filme. Onde está Jéssica Henwick? Madison Russell (Millie Bobby Brown) não recebe nenhum desenvolvimento de personagem, e os novos personagens introduzidos como Nathan Lind (Alexander Skarsgård) e Ilene Andrews (Rebecca Hall) são cifras.
Algumas subtramas não levam a lugar nenhum e personagens como Ren Serizawa (Shun Oguri) nem sequer estão conectados a tópicos muito óbvios de filmes anteriores que teriam adicionado algumas camadas. É um filme cortado em pedaços na pós-produção, e nada disso equivale a nada mais do que “grandes monstros, crash, bang, crash”, o que pode ser divertido por um tempo, mas não parece em sintonia com o Monsterverse. como existia anteriormente.
06 – King Kong vs. Godzilla (1962)
A terceira parcela de Kong e a terceira parcela de Godzilla viram os ícones entrarem em conflito. O resultado foi o filme de Godzilla mais assistido no Japão, até Godzilla: Minus One (2023), quando uma empresa farmacêutica captura Kong para usá-lo como seu porta-voz até que Godzilla acorde e se liberte de um iceberg. Nesse ponto, os militares japoneses decidem usar Kong como arma contra Godzilla.
Apesar de Godzilla estar em sua casa, o réptil gigante ainda era um vilão neste ponto da franquia, então, apesar de Kong ser uma criação americana, ele triunfa sobre Godzilla. A batalha inclui a famosa cena que virou meme, em que Kong empurra uma árvore, com o tronco primeiro, na garganta de Godzilla. Mas, deixando de lado a batalha, o filme tem um significado maior na forma como explora o consumismo farmacêutico por meio da exploração e da desumanização. O filme também lançou o popular “Godzilla vs.” fórmula, que levou as produções da Toho até o século XXI.
05 – O Filho de King Kong (1933)
Lançado apenas nove meses após a sensação de King Kong, Son of Kong é um filme muito mais leve (duração de apenas 69 minutos) e foi feito para ganhar dinheiro. Apesar disso, o diretor Ernest B. Schoedsack consegue entregar um filme B muito divertido que segue os filhos de Kong junto com o desprezado publicamente Carl Denham (Robert Armstrong).
Com a ameaça de prisão pairando sobre eles, Denham e o Capitão Englehorn (Frank Reicher) partem para o mar e pegam uma clandestina, Hilda (Helen Mack), e o boato de um tesouro enterrado na Ilha da Caveira ao longo do caminho. Ao retornar à Ilha da Caveira, Denham faz amizade com um macaco albino gigante a quem ele chama de Little Kong.
O filme é mais polpudo do que o original, mostrando a luta de Little Kong contra os dinossauros da ilha e um enorme urso das cavernas. Mas há algo encantador no relacionamento de Denham com ele e o filme serve como uma espécie de redenção para o infame promotor. Apesar de sua produção apressada, Son of Kong não perde um passo em seus efeitos de stop-motion e, assim como o King Kong original, Son of Kong também influenciou Peter Jackson, dono de um dos dois modelos existentes de Little Kong.
04 – Kong: A Ilha da Caveira (2017)
A segunda parte do Monsterverse, dirigida por Jordan Vogt-Roberts, leva Kong de volta a uma época antes de ele ser rei e ser apenas um garotinho. Ok, não exatamente pequeno, mas menor e mais jovem que o Kong que conhecemos nas entradas atuais. Vogt-Roberts povoa a Ilha da Caveira com criaturas estranhas, incluindo os Skullcrawlers, e todo um ecossistema de monstros gigantes, abordando o filme com a alegria de um amante de monstros.
Mas ao lado dessas criações impressionantes, o filme não se abstém de uma consideração semi-séria sobre os veteranos do Vietnã enviados para explorar a ilha, embora ainda carreguem a guerra com eles. Embora contenha muitas referências visuais ao Apocalypse Now, nunca é tão profundo ou sombrio. Não que seja necessariamente necessário, mas a única grande falha do filme é que o tom não é totalmente consistente.
Mas é o suficiente para fornecer uma conexão emocional com alguns dos personagens, nomeadamente o soldado James Conrad (Tom Hiddleston), o fotógrafo anti-guerra Mason Weaver (Brie Larson), o tenente-coronel do exército Preston Packard (Samuel L. Jackson) e Hank Marlow ( John C. Reilly) que sobreviveu na ilha após um acidente durante a Segunda Guerra Mundial. O filme também faz grandes avanços ao retratar os povos indígenas da Ilha, que são protegidos por Kong. Além disso, a cinematografia de Larry Fong proporciona algumas das imagens mais marcantes da história cinematográfica de Kong.
03 – King Kong (1976)
O primeiro remake de King Kong é o primeiro filme de Kong que tive a experiência de ver e, portanto, tenho um carinho especial por ele, que se mantém quando assistido novamente. Estrelado por Jeff Bridges, Jessica Lange e Charles Grodin, King Kong navega no talento de seu elenco, junto com os efeitos de Carlo Rambaldi e Rick Baker. Embora não evoque o horror ou a emoção do filme original, compensa com uma aventura romântica arrebatadora que só poderia ter sido feita nos anos 70.
Quando Fred Wilson (Grodin), executivo da Petrox Oil Company, descobre evidências de um depósito de petróleo em uma ilha misteriosa, ele planeja uma expedição à ilha, apesar dos avisos do paleontólogo Jack Prescott (Bridges), que ouviu lendas sobre os muitos perigos da ilha. . Depois de descobrir uma atriz em uma jangada, Dwan (Lange), o único sobrevivente de um iate que explodiu, Prescott tem mais motivos para ficar. A viagem até à ilha não cumpre a promessa do petróleo, mas há ali um grande poder.
Atrás do muro gigante construído por uma tribo indígena, vive Kong. Recusando-se a voltar aos Estados Unidos de mãos vazias, Wilson decide capturar Kong. Curiosamente, o filme de Guillermin empresta um elemento narrativo chave de King Kong vs. Desta vez, em vez de Kong ser usado como propaganda de uma empresa farmacêutica, ele é o prêmio das grandes petrolíferas, que o usam como mascote vestido com uma coroa, zombeteiramente chamado de King Kong.
Com uma química encantadora entre Bridges e Lange, a teatralidade de Grodin e um terceiro ato que é extremamente sangrento, King Kong é um sucesso tanto como um remake de uma história atemporal quanto como uma cápsula do tempo de um período definido pela escassez de gás. , um presidente investiu no grande petróleo e na exploração contínua dos recursos de terras roubadas.
02 – King Kong (1933)
King Kong não apenas mudou o cinema, mas também fez dos monstros gigantes um elemento básico da nossa mídia, inspirando a criação de Godzilla, Mothra, Them!, Cloverfield, Pacific Rim e assim por diante. Considerada uma das maiores conquistas do cinema e uma maravilha técnica que se mostrou revolucionária para stop-motion, projeção em tela traseira de pinturas foscas e miniaturas. Não existe um filme de gênero que não deva algo a King Kong.
Dirigido por Merian C. Cooper e Ernest B. Schoedsack, King Kong segue o documentarista Carl Denham (Robert Armstrong), que está de olho em um novo filme, filmado em um local distante e exótico. Depois de contratar a atriz Ann Darrow (Fay Wray), Denham parte do navio The Venture, junto com o capitão Englehorn (Frank Reicher) e seu primeiro imediato, Jack Driscoll (Bruce Cabot) para a Ilha da Caveira, onde encontram uma tribo indígena que decide sacrificar Ann ao seu deus, Kong, levando ao grito icônico de Fay Wray. Denham, Jack e vários membros da tripulação procuram Ann na ilha, encontrando dinossauros e todos os tipos de formas de vida extintas.
Por mais datados que alguns dos efeitos estejam agora, o filme ainda parece emocionante, e a narrativa é tão envolvente que convidamos a uma suspensão da crença para que possamos acreditar na magia do que está na tela, assim como o público de 1933. Na época chegamos àquele final icônico, de Kong no topo do Empire State Building, Ann agarrada em sua mão, enquanto os biplanos o atacam, é quase impossível não sentir compaixão por esse monstro, projetar nossa humanidade nesta figura modelo e transformá-lo real enquanto nos submetemos aos arrepios que tomam conta quando Denham oferece a trágica e final declaração do filme: “Não, não foram os aviões. Foi a Bela que matou a Fera.
Não, não é tão influente nem revolucionário quanto o filme de 1933, mas King Kong de Peter Jackson é um coração gigante e pulsante que não é apenas uma carta de amor ao filme original, mas a tudo que fez de Peter Jackson o diretor Peter Jackson – o terror , a fantasia, o mundo imaginário e as considerações teatrais do amor.
A trilogia O Senhor dos Anéis é sua obra-prima, mas King Kong parece seu filme mais pessoal, seu presente para o menino de 9 anos que ele já foi, cuja vida mudou ao ver o filme de 1933. Jackson trabalhou neste filme desde 1996, e você quase poderia chamar isso de obsessão não muito diferente da de Carl Denham (Jack Black) em entregar algo em uma escala que o mundo nunca tinha visto, mas também algo definitivo para sua jornada como artista. Sendo o filme mais caro já feito na época, é uma daquelas mudanças ambiciosas em que o diretor expõe tudo de si mesmo e você pode sentir isso em cada quadro.
O enredo segue as mesmas batidas do filme de 1933, mas Jackson encontra vários lugares para expandir os personagens, seus relacionamentos e o mundo da Ilha da Caveira, tudo apoiado pela rica cinematografia de Andrew Lesnie, pela trilha sonora cativante do compositor James Newton Howard, e pelo épico e narrativa emocionante das co-roteiristas Fran Walsh e Philippa Boyens. Quando o vi, senti algo parecido com o que o público sentiu ao assistir O Mágico de Oz (1939) pela primeira vez. Como sair do mundo real e entrar em um mundo de pura imaginação, uma terra de descobertas sem fim onde cada criança-monstro poderia encontrar algo para cativá-los.
Dinossauros, insetos gigantes, templos escondidos e o próprio Kong (Andy Serkis). O relacionamento de Kong com Ann (Naomi Watts) contém uma espécie de beleza lírica, em comparação com seu romance mais prático, embora não menos envolvente, com Jack (Adrian Brody). Há uma cena de patinação no gelo entre Ann e Kong antes do clímax do filme e, sabendo da tragédia que está por vir, é uma das cenas mais comoventes do cinema do século XXI. No que diz respeito aos remakes, este não apenas expande o original de algumas maneiras interessantes, mas também dá ao público uma melhor visão do cineasta.
JK Rowling desafiou a nova lei escocesa contra crimes de ódio em uma série de postagens nas redes sociais, desafiando a polícia a prendê-la se acreditarem que ela cometeu um crime. A autora de Harry Potter, residente em Edimburgo, rotulou várias mulheres transexuais como homens, incluindo prisioneiras condenadas, ativistas trans e outras figuras públicas.
Imagem: JK Rowling mídia
Ela argumentou que a proibição da descrição precisa do sexo biológico significaria o fim da “liberdade de expressão e de crença”. Anteriormente, o primeiro-ministro da Escócia, Humza Yousaf, declarou que a nova lei abordaria uma “onda crescente de ódio”.
A Lei de Crimes de Ódio e Ordem Pública (Escócia) de 2021 introduz um novo crime de “incitar o ódio” relacionado à idade, deficiência, religião, orientação sexual, identidade transgênero ou ser intersexo. No entanto, a lei não inclui proteções para mulheres como grupo alvo de ódio. Espera-se que o governo escocês aborde isso posteriormente em uma legislação separada sobre misoginia. Rowling, que há muito tempo critica certos ativismos trans, postou sua objeção no dia em que a nova legislação entrou em vigor.
Ela afirmou: “Os legisladores escoceses parecem privilegiar os sentimentos dos homens que se identificam com uma ideia de feminilidade, por mais misógina ou oportunista que seja, em detrimento dos direitos e liberdades das mulheres e meninas reais”.
Rowling enfatizou que é impossível descrever ou enfrentar com precisão a realidade da violência sexual contra mulheres e meninas, ou abordar os atuais ataques aos seus direitos, a menos que se possa identificar corretamente um homem como tal.
Ela continuou: “A liberdade de expressão e de crença estará ameaçada na Escócia se a descrição precisa do sexo biológico for criminalizada”.
JK Rowling citou vários casos criminais, incluindo o do estuprador transgênero Isla Bryson e de Andrew Miller, que sequestrou e agrediu uma menina na fronteira escocesa. Ela os identificou como homens em uma série de postagens, que também mencionavam ativistas trans e outros indivíduos.
JK Rowling concluiu: “Atualmente estou fora do país, mas se o que escrevi aqui for considerado uma ofensa nos termos da nova lei, estou pronta para ser presa quando retornar ao berço do Iluminismo Escocês”.
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